MUSICA CONCRETA : ELECTRONICA,ELECTROREALISMO

Música concreta

La música concreta es un género musical cuyos fundamentos teóricos y estéticos fueron originados por Pierre Schaeffer en los estudios de la radiodifusión francesa en 1929. La música concreta está ligada a la aparición de dispositivos que permitieron la descontextualización de un sonido fijándolo en un soporte (en un principio analógico, como lacinta, posteriormente digital, como el CD) con el fin de tratar este sonido de manera separada y manipularlo cortándolo, pegándolo, superponiéndolo y finalmente combinando los sonidos resultantes de estas operaciones de alteración en una estructura compleja y definitiva como una partitura auditiva. En virtud de este proceso se habla también de "música de sonidos fijados”, ya que el resultado de la música concreta es su fijación en un soporte como la cinta de casete, el CD o un archivo informático. Esta revolución de sonidos hizo cambiar significativamente toda la estructura convencional de la música, ya que la forma musical dada al sonido de una puerta abriéndose pasó a tener la misma importancia que la de una melodía tocada al violín.

 LA MÚSICA ELECTRÓNICA Luego de que Pierre Boulez criticara la simpleza de los procedimientos concretos, el paso siguiente a la música concreta consistió en sustituir los sonidos naturales por sonidos electrónicamente generados en un estudio de grabación. A esto se le denominó música electrónica; posteriormente se planteó una combinación entre sonidos naturales y electrónicos.

SERIALISMO.

  ¿Qué es el serialismo?

  El Serialismo es un método de composición musical que, como su nombre indica, utiliza series, esto es, grupos de notas sin repeticiones que siguen un determinado orden.

  El serialismo difiere del dodecafonismo en el número de elementos de cualquier dimensión musical (parámetros) que pueden ser ordenados, como la duración, la altura, las dinámicas o el timbre. El término "serie" no debe ser confundido con la definición matemática, que sin embargo viene a usarse cuando las escalas a utilizarse se proyectan en una secuencia numérica, como la serie aritmética, la serie armónica (incluyendo su manifestación acústica como la serie de armónicos naturales, y su inversión conocida como serie de sub-armónicos), la serie geométrica, la serie de Fibonacci, o la serie infinita.

EXPRESIONISMO.

EXPRESIONÍSMO:

1. Reacción cultural al Impresionismo
   
   
   
   Se designa con el término de Expresionismo a aquel movimiento cultural nacido en Alemania en los inicios del siglo XX que tuvo su manifestación en varios campos del arte como la música, el cine, el teatro, la danza, la fotografía, aunque su primera y principal expresión se encuentra en la pintura, algo que también ocurrió con el impresionismo, la corriente cultural que lo antecedió, por la cual reaccionó fervientemente y que también dispone de un rol protagónico en diversos campos del arte, especialmente en la pintura.
   
   

DODECAFONISMO.

Es un sistema de composición que utiliza los doce sonidos de la escala cromática sin establecer ningun tipo de jerarquía entre ellos. El compositor piensa la serie que quiere utilizar, la cual puede dar lugar a tres series secundarias. Es decir: El dodecafonismo utiliza los doce sonidos que da el piano en el espacio de una octava (Do, Re Mi, Fa, Sol, La, Si, Do). De un Do al siguiente se encuentran doce teclas que representan doce sonidso distintos, utilizándolos segun convenga en cada caso, sin tener en cuenta en que tonalidad se encuentra, o sea, la rompiendo las leyes armónicas.

La serie de 12 notas aparece en cuatro formas que son equivalentes:

• Forma fundamental, en entido directo.
• Forma retrógrada, en sentido inverso.
• Inversión, con cambios de orientación, (como imagen en espejo horizontal).
• Retrogradación de la inversión.

MUSICA

DODECAFONICA

Las 4 formas pueden partir de cualquiera de los doce sonidos, por lo que cada composición puede disponer de 48 series diferentes.

Los doce sonidos de la serie deben haber sonado antes de repetirse alguno de ellos.

Las series pueden estratificarse: Varias series transcurren simultaneamente y pueden fragmentarse.

IMPRESIONISMO

IMPRESIONISMO:se trata de una corriente también surgida en Francia, cuando finalizaba el siglo XIX. Entre los compositores más sobresalientes de esta época se encuentran Claude Debussy y Maurice Ravel, ambos franceses. Siglos antes del nacimiento del barroco musical, la música contaba con cerca de siete escalas, las cuales fueron perdiendo importancia con el paso del tiempo, hasta quedar simplemente dos: la mayor y la menor, también llamadas jónica y eólica, respectivamente.

Llegó el período posromántico y algunos compositores, como fue el caso de Camille Saint-Saëns y Gabriel Fauré, comenzaron a experimentar con las escalas olvidadas y con uno de los elementos fundamentales del impresionismo: el timbre. Sus pruebas, sin embargo, no excedieron los límites de una aventura que partía de la curiosidad, pero que no tenía un fin en particular.

CARACTERISTICAS:

Veamos a continuación las características fundamentales del impresionismo musical:

* más libertad en el ritmo, ofreciendo a los intérpretes la posibilidad de modificar a gusto la duración de las notas;
* se utilizaban los modos y se presentaron diversas variaciones los mismos. Asimismo, algunos modos fueron creados durante este período, tal y como hizo Debussy en su pieza para flauta titulada Syrinx. Además de los clásicos, se utilizó un gran número de modos que provenían de diferentes culturas;
* la experimentación a nivel tímbrico, lo cual representa el aspecto más destacable de esta corriente. Esto dio lugar al nacimiento de sonidos y efectos que jamás habían sido producidos por instrumentos musicales, repercutiendo directamente en la sensibilidad del oyente.

BARROCO
La música barroca a menudo tenía una textura homofónica, donde la parte superior desarrollaba la melodía sobre una base de bajos con importantes intervenciones armónicas. La polaridad que resultó del triple y del bajo llevó desde la transición entre los siglos XVI y XVII al uso habitual del bajo continuo: una línea de bajo instrumental sobre la que se improvisaban en acordes los tonos intermedios. El bajo continuo era una línea independiente que duraba toda la obra, por eso recibe el nombre de continuo. Apoyado en la base del bajo se improvisaban melodías mediante acordes con un instrumento que los pudiese producir, normalmente un teclado. Estos acordes se solían especificar en el pentagrama mediante números junto a las notas del bajo, de allí el nombre de bajo cifrado. El bajo continuo fue esencial en la música barroca, llegándose a denominar la «época del bajo continuo».¹⁴³

Período temprano (1600-1650)[editar]

El Palacio Ducal de Mantua donde fue estrenada la ópera La fábula de Orfeo de Monteverdi en 1607, la primera gran obra maestra del género.

Fue un período de experimentación dominado por la supremacía de los estilos monódicos en diversos géneros, como el madrigal, el aria para solista, la ópera, el concierto sacro vocal, la sonata para solista o la sonata en trío.¹⁴³ Así describe el musicólogo Adolfo Salazar la innovación de la monodia frente a la polifonía: se abandonaron las múltiples combinaciones de voces superpuestas del Renacimiento, la nueva idea de la monodia abogaba por una sola voz protagonista que buscaba que el texto solista y la melodía desnuda se escucharan con claridad expresando los afectos. Acompañando al texto y sustentando la melodía, el bajo continuo con sus acordes se ocupaba de la armonía.

         1.- LA MÚSICA VOCAL PROFANA EN EL BARROCO.

    Los músicos se dieron cuenta, a medida que avanzaba el siglo XVI de la dificultad de expresar sentimientos individuales e íntimos a través de un conjunto polifónico, por lo que comenzarán a sustituir paulatinamente las voces del madrigal por instrumentos que terminan por acompañar a un solista (melodía acompañada).

    1.1.- LA ÓPERA EN ITALIA.

    1.1.1.- Florencia.

         2.- LA MÚSICA VOCAL RELIGIOSA EN EL BARROCO.

    Durante el siglo XVII coexistirán dos estilos religiosos diferentes:

·         El estilo renacentista de polifonía a capella, cuyo ideal estará representado por Palestrina, seguirá aun con cierta fuerza hasta mediados de siglo.

·         Al lado de este se perfila otro estilo religioso, de influencia y matices operísticos con arias, coros e instrumentos. La gran fuerza de la ópera salpicará también a la música religiosa: el espíritu profano penetrará cada vez con más fuerza en la iglesia y en su música a medida que avanza el siglo XVII. Desde este punto de vista por vez primera se distinguirá una música religiosa litúrgica (destinada al culto, como la cantata alemana) de una música religiosa no litúrgica (como el oratorio, que basándose en motivos religiosos no está destinado al culto de la iglesia). En la materialización de este segundo estilo no es en absoluto desdeñable la influencia que desde finales del siglo XVI ejerce la escuela veneciana de los Gabrielli, que concede cada vez más cabida a los instrumentos, a las formas eclesiásticas instrumentales y que combina voces e instrumentos en el llamado estilo concertante.

    2.1.- FORMAS DE LA MÚSICA RELIGIOSA.

    Las formas religiosas se distinguirán poco de las formas profanas en su espíritu y estructura, aunque los nombres varíen en ambos géneros.

    Durante el siglo XVII se comienza a observar, ante el empuje de la ópera, una cierta decadencia en la música religiosa, que será más acusada durante el siglo XVIII: pasa a ocupar un segundo plano, queda supeditada a los vaivenes y modas de la ópera y pierde definitivamente la mística autoridad que la caracterizaba en el siglo XVI.

  1.- CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA INSTRUMENTAL. La música instrumental es interpretada sobre todo en los palacios de los príncipes y en las casas de los nobles. También acompaña a las voces en el teatro y en la iglesia, lugares donde es posible escuchar también solos instrumentales. La música instrumental rivalizará con la música vocal, que hasta este momento había mantenido una hegemonía absoluta. A finales del siglo XVII ocurre un hecho nuevo: el concierto en una sala a la que puede accederse mediante el abono de una entrada. De esta manera, la burguesía, y no sólo la nobleza, va a participar en la conformación de la vida musical. Música instrumental es ahora tan importante como la música vocal. Se practican nuevas formas instrumentales (sonata a sólo, sonata a trío, concierto a sólo, concerti Grossi, fuga). El barroco retiene algunas formas de la época precedente como la variación. En el barroco la elección de los timbres no se confía al capricho o disponibilidad de los intérpretes como sucedía en el renacimiento. A partir ya de la escuela veneciana el músico buscará suscitar en el ánimo del oyente sentimientos y emociones distintos a través del uso contrastante de los diversos grupos instrumentales. En el conjunto instrumental adquiere mucha importancia la voz baja que es doblada por varios instrumentos (bajo continuo). 2.- FORMAS INSTRUMENTALES BARROCAS. La Fuga: forma derivada del stile antico, es una composición polifónica en un solo movimiento, de estilo horizontal, estructurada según un rígido plan formal en el que alternan dos tipos de secciones: Exposición: es la sección más característica de la fuga. Comienza con el enunciado a sólo de un tema (sujeto). A continuación van entrando las diferentes voces en forma sucesiva en las que alternan la respuesta (transposición del sujeto a la tonalidad de la dominante) con el propio sujeto. La fuga consta de un segundo material temático (contrasujeto) que suena a la vez que la respuesta al sujeto. Episodios: sección que, aunque utiliza material temático de la sección precedente, contrasta con la anterior por su menor densidad contrapuntística. Produce el efecto de transición hacia la siguiente sección similar a la exposición.

:Compositores del Barroco

Esta es una lista de compositores que desarrollaron su actividad musical en la época conocida como Barroco, que puede dividirse en cuatro periodos:

• Barroco temprano, primitivo o alto (1600-50), período conocido como el seicento: alrededor del año 1600 se destaca en la historia de la música un compositor de inusual talento, Claudio Monteverdi.
• Barroco o Barroco medio (1650-1700). Sobresalen en este período el compositor inglés Henry Purcell y su contemporáneo alemán Johann Pachelbel. Sin embargo es el compositor italiano Antonio Vivaldi nacido en Venecia (1678 - 1741) quien dará a este período su máximo esplendor.
• Barroco tardío o bajo (4567-50). El Barroco tardío está comprendido entre 1680 y 1730. Los compositores característicos de este período son Domenico Scarlatti en Italia, Georg Friedrich Händelen Alemania, Johann Sebastian Bach en Alemania y Jean Philippe Rameau en Francia.
• Transición al Clasicismo (1740-70)

Dado que esos periodos coinciden con años de plena actividad de los compositores, se considera que esas mismas épocas coinciden de forma aproximada con las siguientes fechas de nacimiento:

• Barroco temprano, primitivo o alto (nacidos entre 1550 y 1600).
• Barroco (nacidos entre 1600 y 1650).
• Barroco tardío o bajo (nacidos entre 1650 y 1700).
• Transición entre Barroco y Clasicismo (nacidos después de 1700).
• https://www.youtube.com/watch?v=_OwZmfkbdMI